“哥特式”绘画对“三维空间”的自觉和创造.docVIP

“哥特式”绘画对“三维空间”的自觉和创造 　　 摘 要：哥特式绘画艺术的本质特征是平面、非自然的、以直线为主，逐渐演变成立体、自然的、注重三维空间的绘画艺术，在这个演变过程中，哥特式形式并不是摒弃早期哥特式的原型，而是在原有的基础上有所革新，显示出观察细节、审视外表的趋势，逐渐形成独特的复合体艺术。因此，努力探讨和分析哥特式绘画艺术风格在其自身的发展进程中是如何对这种新形式的自觉和创造，对我们更清晰和深刻地了解哥特式艺术风格的传统与革新卓有帮助。 　　 关键词：哥特式绘画艺术 线性平面构成 自然主义 错觉空间感 　　 　　 当中世纪的希腊和罗马还在辉煌的时候，阿尔卑斯山以北的地区一种新的民族艺术风格已开始酝酿，在经历几百年的岁月里，它给世界艺坛留下了迄今尚无以超越的传世佳作，直至16世纪文艺复兴时期的人文主义学者带着藐视的态度称12至15世纪的艺术为“哥特式”风格，在艺术史上它才有了自己的专属名称。暂且不论这个名称最初含义如何，“哥特式”现在已经约定俗成，不再带有贬义色彩。随着时代的发展，更多的目光积聚在哥特式艺术的辉煌视觉上，一种独特的复合体艺术。作者尝试性地对哥特式绘画艺术中动植物、人物及自然风景方面的绘画形式的变化进行分析和研究，努力探讨哥特式绘画艺术风格在其自身的发展进程中是如何对错觉空间的自觉和创造的。 　　 一、哥特式绘画艺术的“原型” 　　 事实上，作为造型艺术的绘画在哥特时期大部分是以手抄彩绘插图和封面装饰的福音书为载体。早在8世纪时期爱尔兰的手抄本装饰插画和凯兰书卷插图的几何性复杂装饰中就显现出哥特式艺术早期隐匿的活动性；先是点、线、面及带状相互交织、混合；然后发展，缠绕，结辨；平行，再度串联，结网糅合为异常精美和奇异的艺术。之后，植物和动物也被吸收到图式中，它们相互纠缠，四肢、颈和翼混乱缠绕成花结。图式中的动植物虽然与自然原型有着某种程度上的关联，但它与任何一种模仿的倾向都丝毫不相关，这些构造只是无意义和无内容的图式，是想象力的造物。北方人倾向于从审美上把可理解的东西视为低级的和空洞的东西，因为，他们没有理解形式的语汇，而且，他们在审美上可理解的事物中，只看到无内容的、模式化的东西，只看到对表现个性需要的不合理的限制，直到有朝一日，这些北方人看到了形式的高级存在为止。即使在人物造型中，大量的人物图式也经常是完全被削平了，在坐像或者站像那里，双腿就以多种方式与整个身子构成了一个彼此相联系的正方体框架，在其他地方，例如在首饰、皇冠、围裙和长袍等等部分。尽可能为给观众留下更多平面印象而努力。新约手抄本插图中有一幅描绘圣马太的绘画，他站在一个拱门下面，整个人物处理成平面化，无生命感，身后是几何风格的建筑物，人物左边是大写的“L”造型，里面布满了繁丽的缠枝和相互交织的动植物图案。十分明显地暴露出人与现实世界的隔膜和疏离的心理状态，与那种让我们感觉自然、亲切的写实主义直接对立。 　　正如上面所分析哥特式绘画艺术本质特征是二维的平面性，也就是线性装饰图式，这种图式在特性上是纯粹抽象的、完全缺乏直接复制自然的尝试。“在他们的艺术中，没有自然的再现，无论是人、动物或树，一切都变成了表面装饰。”越是这样的平面化、装饰化、概念化的视觉感官，就越容易让观众直接穿透作品本身达到心灵上的触动，体会神与精神混合的朦胧之美。 　　 二、哥特式绘画艺术对“错觉”空间的初探 　　随着人与世界之间“阴郁的二元主义”的消减，也就是说，随着基督教文化中民族艺术形式自觉的努力进程，这种平面造型逐渐减弱，哥特式的衣褶和人物脸部自然主义化的处理成为哥特式绘画艺术中最早的体量感表现。12世纪凡尔登的尼古拉描绘的人像和服饰不再只是一种图样，开始有了三维空间的尝试，从克洛斯特新堡的祭坛画中看到对人物服饰的处理有了微弱的空间感，服饰由大量平行线构成，其风格就是所谓的槽状衣褶风格，这种风格有时叫“过渡式”(即从罗马式过渡到哥特式)，其特征是衣服上飘动的、平行的、像水槽那样的皱褶。而且人物的脸庞也赋予了客观的模仿，已经不再是一种线性平面形式，但这种细微的真实感要特别用心才能察觉，整个图式建构仍然保持了平面造型的惯例。把尼古拉的作品与著名的《英格堡诗篇》中的插图比较可以看到某些类似之处，一是水槽形的皱褶；二是对人体解剖的初步和有限的尝试。虽然背景的描绘还是二维性，对人体解剖的知识掌握还不到位，但可以特别肯定的是一种抛弃装饰性图式元素的发展趋势。到了12世纪的晚期，手抄本《苏维尼圣经》在描绘大卫生平故事将槽状服饰风格和人物自然姿态结合起来，对人体解剖有了更出色的把握和表现。拜占庭画家从13世纪往后便将注意力转向空间透视问题，即便他们的解决方法远不成功。可以肯定的是哥特式绘画艺术的形式在一种平面的线性语汇与实际的空间造型中不断地进行糅合，画家对建构图画的