雪花美丽在于自身白.docVIP

雪花的美丽在于自身的白 　　 　　处于京城，京剧打一开始就染上庙堂的色彩。从乾隆到慈禧，无一没有“染指”，方使得徽班进京，进而让京剧压倒了昆曲，在京城风生水起，造就了“同光十三绝”那样的京剧各派名角，让舞台热闹了那么长时间。 　　“文革”前后，依然是官方介入，后来主要是江青的掺和，革命现代京剧即样板戏又风风火火，叱咤风云十余年，至今依然唱响在舞台和里闾街巷，成为无人不会哼几句的奇观。 　　客观而论，庙堂的热情，对于京剧的发展并非没有好处，个中的是非功过不宜一概而论。特别是清康熙十年（1671年）禁止在内城开设戏院，逼得戏园子大都开设在前门外大街一带，与平民百姓近距离亲密接触，不再是仅仅属于皇宫和王府的堂会；乾隆五十五年 （1790年）乾隆下江南之后，带来四大徽班进京，京戏繁荣，艺人扎堆儿，为生存、为艺术的竞争便不可避免；加之日后西风东渐，时代的变革起于青萍之末，于是，京剧伴随着新文化运动，开始了最为重大的变革。电影《梅兰芳》涉及了这一点，可惜只是蜻蜓点水而过。而且，电影里关于京剧改革的斗争被简化为梅兰芳的新潮时装戏《一缕麻》与十三爷（谭鑫培）叫板的传统老戏之争，扭曲了那个新旧交替时代里京剧变革的意义以及包括梅兰芳、齐如山在内的一代艺人为此付出的艰辛和努力。 　　这几年，北京愿意打出京剧创新之牌――先是有大型新编历史京剧《袁崇焕》，现在又有新编史诗京剧《赤壁》。编剧亦都出自庙堂之手，对于京剧的钟爱及其革新的倾入，自然是精神可嘉、作用不小的。只是，革新的得失成败尚有待研究，如今媒体上却已有声势浩大的宣传，几乎众口一词热赞捧场，便令人觉得似乎有点用力过猛，甚至多少有公器私用之嫌了。 　　不说别的，单说由在奥运会和残奥会上火了一把的舞蹈导演张继刚跨界导演京剧《赤壁》，有意往舞台美术和舞蹈上引，其阵容强大，制作豪华，光是铜雀台盛景、火烧赤壁壮观、草船借箭梦幻这几处的布景装置，就足够金碧辉煌，格外恢弘的了。真有点“不惜千金买宝刀，貂裘换酒也堪豪”的劲头。这是近年来戏剧革新都要唱的前奏曲，都愿意走这样??条奢华之路，似乎出新就得表现在老虎的后背、鸟的翎毛这样的外表一眼看得见的地方。殊不知，舞台的美轮美奂和声势的热闹，与传统京剧是相背离的。稍懂京剧历史的人都知道，京剧的魅力在于以少胜多，在于舞台上虚拟世界的营造――旧时讲京剧舞台上无一处物件是真的，现在看来有些绝对，但真正的京剧不在于实景搭制的金碧辉煌和人海战术的泛滥，而在于好的演员，好的剧目，在于能驾驭舞台的极简主义。哪怕素素的只有几张桌椅和一道帷幕，也能调动起五湖风雨、万里关山，在咫尺间创造无限天地去打动观众，那才叫本事，那才叫艺术。京剧的创新应是在京剧内涵基础之上的，而非表皮。正如雪花的美丽，恰恰在于自身的白，而不在于外表涂抹的五颜六色。 　　我想起前些日子看过的上海昆曲团来京演出的《玉簪记》和《蝴蝶梦》，也想起在台北看过的江苏昆曲团演出的《钗钏记》，虽然都没有今天《赤壁》舞台的美轮美奂，却格外打动观众，演出结束后全场掌声雷动，出现观众久久不愿散去的盛况。在如今京剧（包括昆曲等其他剧种）的革新热之中，宜应保持一份清醒。艺术从来没有进化，只有变化，但变化优劣的前提，是对传统的坚守。 　　近年来舞台上以革新创新之名的这种奢靡浮华之风，更早可以上溯至张艺谋导演的歌剧《图兰朵》。历史与民俗，宫廷和服饰，都可以成为卖点，不惜泼洒金钱，以图大制作。这样大把花钱开了头，本来属于极简主义的京剧岂不要和电影大片看齐了吗？电影大片的制作思路对于舞台的影响与浸淫，实在应该躬身自省了。 　　好的戏剧从来都是朴素的。莎士比亚戏剧演出的鼎盛时期，舞台的布景道具也是简陋的，双方激战的军队不过用两个人代表，浩浩荡荡的群众也不过用4个人表演，从来没有如我们今天这般动员上百个民工充斥整个舞台。想起前些年上海昆曲著名演员梁谷音排演《潘金莲》，只花了600元，不过做了一块绣裘的天幕就演出了。现在说起来，简直如天宝往事，无法想象了。当然，时代在发展，舞台也在变化，没必要非泥古不化，将简朴变为简单，但奢华之风应该警醒。尊重京剧艺术的规律和特点，把握好其中的度，还是很有必要的。 　　笔者以为北京的京剧从革新和发展这个角度而言，还是应该向上海的昆曲学习。虽然近代以来，京派海派文化各有千秋，不过，我们还是虚心为好。京沪在这方面的思路明显不同：北京京剧是大步往前走，更重视新编，着眼一个“新”字，期冀新剧目，重用跨界新导演，就连舞台装置都要新，让人从里到外耳目一新，不惜重金投入；上海昆曲则不同，似乎是回过头来往后走，注重传统。最近，上海创新挖掘汤显祖的经典老剧目，重排“临川四梦”：《紫钗记》、《牡丹亭》、《邯郸记》、《南柯梦》。在这里，除《牡丹亭》外，其余三梦百余年来只有剧本，从未有人搬上舞台，没有任何经验、程式可资借