线条与色彩里私密日记.docVIP

线条与色彩里的私密日记 　　“2011毕加索中国大展”十月在世博园区中国馆揭幕，开始历时3个月的中国之行，共展出50幅摄影作品及62件毕加索真迹，其中包括7幅版画、7件雕塑、48幅油画，号称在中国举办的最大规模原作展。由于主办方法国国立毕加索博物馆的典藏直接来自艺术家工作室的馈赠，许多当年密不示人的习作带有更强烈的自传意味，与画家人生经历的起伏辗转息息相关。作品与摄影展区相互穿插呼应，通过这些私密生活的见证，我们构建起画家长达八十余年的创作生涯。 1901年毕加索在巴塞罗那“四脚猫”咖啡馆和美术学校的亲密朋友，年轻诗人卡萨吉马斯因失恋而自杀。受到强烈震动的毕加索为此创作了相当部分以朋友之死为主题的绘画。毕加索后来回忆自己1901-1094年间“蓝色时期”的序幕正是由卡萨吉马斯的死讯而拉开的。有评论认为，画家同时通过这样单纯的用色来标记自己与靛蓝癖的现代主义谱系的关系，因为它也是属于马奈、塞尚和梵高的颜色。 1924-1932年的超现实主义时期酝酿出毕加索最为人熟知的变形画风。展厅内创作于1931年的《雕刻家》（图1）开始探索画家、模特和作品之间的关系，是那一时期的代表之作。1927年毕氏在巴黎地铁站邂逅17岁的玛丽?特瑞莎，开始了8年之久的浪漫恋情。这位肤色白皙、金发碧眼的少女成为画家一生中着墨最为频繁的人物。 由于和雕塑家贡萨列斯的交往，毕加索在这一三维形体的领域开展了一系列令人印象深刻的尝试。画面的右首边是正托腮端详沉思的毕加索本人，脸部的处理采用他惯常使用的艺术表现手法：以眼鼻的分割线为公用轮廓，由此组合出侧脸和正面相，从两个变幻的视点来描绘画家在对象转侧之间留下的瞬间印象。这一公共轮廓的设计方式被称为线条幻象法，通过分解不同的面，使从不同视点同时观看对象成为可能。对画面正中女人体的结构处理方式，则在毕加索1906年肇始的原始主义时期就已形成。画家为古伊比利亚和非洲的雕塑风格所震动，对通过单纯造型以及尖锐对比来构建人体的表现形式所产生出的浓厚兴趣，在展览上的《站立的裸女》（图2）、《斜躺的裸女》（图3）等该时期的习作中表露无遗。 色彩的运用在这幅作品中也更加复杂和成熟。其表现力首先被用来分割画面，暖色系的房间和清朗的户外通过设色使空间具有了纵深的层次，墨绿的地板则将室内的上下空间区隔开来；另一方面，不同的色调被用来塑造人物特质，交代他们相互的关系。画中特瑞莎单纯明快的青绿色打破了艺术家早年立体主义和原始主义那种以褐色和赭色为主的赋色风格，在1937年为特瑞莎和朵拉?玛尔分别创作的情人肖像中，前者清纯亮丽，后者成熟高贵，将色彩本身具备的性格特征表露无疑。《雕刻家》右边部分的赋色则更为丰富和鲜亮，大红及明黄色的交替使用使艺术家的家形象从底色上凸显出来，并拥有了更多视觉上的分量。值得一提的是，尽管画面被线条切割成不同的几何块面加以拼接，却没有呈现不和谐的碎片感，正是色彩的运用使得不平衡的画面元素呈现出和谐的整体效果。仔细研究就会发现，蓝、黄、红、绿的基本色系都由不同的过渡色阶组成，层层递进，互相穿插，相同或相近的颜色相互呼应，令画面虽然色彩丰富却不显得凌乱，形成了饶有兴味的韵律节奏。毕加索通过对不同对象的不同赋色策略和主题间色彩的呼应，以视觉的形式刻画了画家、作品与模特三者之间互为衬映的现实关系。 线条也是毕氏颇为熟稔的表达手段。作品《雕刻家》使用大量的曲线来表现形体，告别了早期立体主义几何意味浓重的短线和尖锐棱角，画面正中坐在柱形基座上的抱膝女人体，充分展现出女性身体的柔美和丰满。曲线的运用使画面本身稳固的结构增添了灵动的变化，富有梦幻般轻灵的感受。 从构图上看，画家交叉的双腿呈对角线斜插整个画面，巧妙地填补了特瑞莎胸像下的空间，画家作为三个基本元素之一以一个正三角的结构占据画面的左手边，加上前方特别强调的深绿色地面，和右下角的深蓝色仿大理石色块、大红色外衣的穿插点缀，令画面底部更加稳定。一条直线将画面从中间对切开，用来安排画家和模特本人的位置，分割空间并制造深度。下方的数条斜线向画中心处汇聚，代表房间的地面，以透视的基本原则使画面向纵深拓展。从分析立体主义转向综合立体主义的毕加索，愈发关心集合和创造而不是肢解和拆散，从而创作出更错综复杂的视觉空间。 毕加索对于当时新兴的艺术表现手段从不缺乏热情，也乐于从古代各类艺术作品中汲取灵感，他的艺术尝试不仅被公认为立体主义的先驱，而且还受到未来派、超现实主义等画家群体的推崇，而毕加索自己也从塞尚、马蒂斯、梵高等同僚的艺术中获得了源源不断的灵感。以《雕刻家》为例，画家通过点彩的方式在对象的轮廓线周围制造出阴影的效果，这种由修拉发展而来的科学主义的新印象派帮助画面拥有了更多精确表现立体感的手段。展览中还有一幅作于1917年大型点彩作品《（仿勒南兄弟）受洗礼归来