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新媒体、艺术和浸入式体验 　　在新媒体时代，由“关系美学”衍生出的“体验”似乎是展览现场可以提供的最好动力之一：我们可以从网上轻易地获取绘画和雕塑的高清图片，却很难完整地复制一份由声、光、影等共同构成的“体验”。 　　尽管寒风凛冽，这些天，纽约新博物馆（New Museum）的门前却排起了长队。令纽约客们闻风而来的，是新博物馆为瑞士艺术家皮皮洛蒂?瑞斯特（Pipilotti Rist）举办的个展。这是瑞斯特迄今为止最大规模的纽约个展，占据了新博物馆整整三层空间。但这还不是排长队的全部吸引。 　　如果观展人从一楼大厅乘电梯而上，无论在哪一层停靠，都会进入到一个与传统“白盒子”迥异的空间。在二层，随风飘动的白色帘幕几乎占据了大半空间，行走其中，行人的影子和投射在帘幕上的斑驳影像交织在一起，令人无法分清在“画”中抑或在“画”外。走入三层，人们全部的注意力首先被密密悬挂的“像素丛林”（Pixel Forest）所吸引，包裹在透明材质当中的上千个LED光源成为串串“珠帘”，同时变幻出红、绿、粉、橙、蓝等梦幻般的色彩。观众不但可以在“像素的世界”里拍照、逗留，也可以穿过“珠帘”，走到空间的一角，或坐或倚，欣赏眼前变幻的一切。在与“像素丛林”相对的角落里，成直角放置的两面屏幕几乎占据了从上到下全部的墙面空间，屏幕中的“仁慈花园”（Mercy Garden）既互为镜像，又是彼此的延续，躺在屏幕前的人们不由自主地被画面中的水波、水下的植物，以及不时出现的抚弄的大手所吸引。 　　而在四层，观众舒服地躺在单人床或双人床上，盖上被子，枕着枕头，看着层顶上两个水平悬挂的、有着花朵状边缘的屏幕，边听音乐边跟着屏幕里的镜头探访水下。画面中，各异的水生植物构成了一个奇幻的海底世界，偶然出现的诡异面孔或是其他的身体部分则打破这种表面的“真实”。在这里，似乎所有观众都沉浸在荒诞却真实的“梦境”当中。 　　电影理论家克里斯蒂安?麦茨（Christian Metz）曾经将影像描述为“普遍孤独状态的暂时打破”，他认为影像的魅力正在于将人们的梦境搬到荧屏之上。与更早的、活跃在上世纪六七十年代的影像艺术家，如布鲁斯?瑙曼（Bruce Nauman）和维托?阿肯锡（Vito Acconci）相比，瑞斯特这代自90年代开始登上全球当代艺术舞台中心的影像艺术家――包括皮埃尔?于热（Pierre Huyghe）、菲利浦?帕雷诺（Philippe Parreno）、道格拉斯?戈登（Douglas Gordon）、史蒂夫?麦克奎恩（Steve McQueen）等等，并不惧怕传统艺术评论界可能发出的，对艺术家制造“不加反思的大众奇观”的批评。相反，他们更加积极地利用技术，诉诸人类的感觉和想象，为观者创造令人愉悦的“梦境”。 　　在二楼展出的《粉刺色情》（Pickleporno）是瑞斯特1992年作品，她用一个非常小的监控照相机来表现“身体”与“性欲”的主题。摄像机被安放在花柄里和隐藏在墙里，用来抓住正在发生亲密关系的情侣的皮肤细节，这些不稳定且对比色强烈的鱼眼镜头，让人能身临其境地感受到发生在身体上的感官刺激。而她最近期的作品，是将二维影像投射到三维空间当中，创造更强烈的“体验”效果，比如今年的新作《像素丛林》，那些令人联想起水中的氧气泡或大脑神经元的“像素”折射出我们身边各种屏幕所放射的光源──从人造的暖光、冷光，到自然的太阳光，往往令观者陶醉在奇妙的色彩变异和无限的影像碎片当中。 　　而纽约另一个著名美术馆――惠特尼美术馆（Whitney Museum），它的新展“梦想之地：浸入式影像与艺术（1905～2016）”亦出现不少相似的“梦境”式体验。艾利克斯?达?柯尔特（Alex Da Corte）和杰森?马松（Jayson Musson）的作品《东部体育》（Easternsports），由四面两两相对的墙面围成一个半开放空间，除了投射在内墙上循环播放的影像、外墙上闪烁着霓虹光晕的装饰标志以及空间中不断播放的音乐以外，地面上散落的橙子为这个由声、光、色、影等构成的多媒体影像装置增添了气味。新锐艺术家多拉?布多尔（Dora Budor）为展览设计的浸入式装置《工具改装》（Adaptation of an Instrument），成为惠特尼馆中最能代表影像、技术与观众体验相交汇的作品。在昏暗的房间中，光线的强弱取决于房间内人的活动，观众只有不断挪动步伐，才能将艺术家的“工具”激活，观赏到房间顶上投射出的“记忆图谱”。这些“记忆”取自保罗?托马斯?安德森（Paul Thomas Anderson）1999年拍摄的电影《木兰花》中的热带雨林场景，通过将成千上万的特效青蛙分解成无数物像和光影，布多尔在房间里张开了一张互动式的“生态网”。 　　以“体验”为核心的当代艺术实践与展览其