经典作品的经典之处.docVIP

经典作品的经典之处 　　如今，“经典”已成为一个广泛的用词。那么，具体说来，“经典”到底指什么？通过查阅相关书籍可见：经典指具有典范性、权威性的作品或著作。换言之，它是经久不衰的万世之作，后人尊敬它为“经典”。 　　在任何领域，都有经典之作存在。作为艺术门类中的重要一部分的舞蹈也绝不例外。就国内来说，中国漫长历史发展轨迹中，留下了不少的千古名篇，有许许多多优秀的舞蹈作品在老一辈艺术家神奇的双手下诞生。例如中国新舞蹈运动的发起人吴晓邦先生之作《义勇军进行曲》、《思凡》，戴爱莲的《荷花舞》，以及二十一世纪以来的优秀作品《爱莲说》、《也许是要飞翔》等等。而从国外来说，由早期芭蕾的发展到如今现代舞的风靡全球，其中的经典之作也数不胜数。例如柴可夫斯基作曲的三大舞剧，皮娜??U什的舞蹈剧场《穆勒咖啡厅》等等。可以看出，舞蹈作为一种艺术门类不断突破、不断找寻自我的过程。所谓舞蹈无国界，那么不同国度、不同民族来演绎的作品，如何能成为经典之作？它们之间是否存在着某种共通之处呢？ 　　享誉世界的俄国现代芭蕾的早期代表作《天鹅之死》，首演于圣彼得堡贵族音乐厅，由现代芭蕾之父米歇尔?福金编舞，巴甫洛娃演绎。这部只有短短4分零6秒的作品却成为了芭蕾史上最具生命力的经典之作。而在中国，杨丽萍的舞蹈作品《雀之灵》可谓家喻户晓，不仅是舞者的名字，而且是灵性十足的孔雀形象早已深入人心。一提到孔雀，大家都无法不将其与“杨丽萍”联系在一起。不难看出，这两部作品，都是对于自然界生灵“鸟类”的表现与演绎。那么，一个来自西方和一个来自东方的“神鸟之作”，同作为“经典”的它们，是否能让我们从中得到某种启示的意义呢？ 　　音乐的融合度 　　虽然音乐并不是舞蹈的灵魂，但却也起着至关重要的作用。在舞蹈作品中，音乐就如同一首用音符谱写的诗篇，它用别样抒情的曲调把编导家的思想情感娓娓道来。先来看舞蹈《天鹅之死》，其音乐选自法国作曲家圣桑《动物狂欢节》组曲中的第十三曲，即由大提琴与钢琴演奏的《天鹅》。众所周知，大提琴沉稳流畅且略带忧伤的音色是出了名的。那么，这样的音乐会给舞蹈表现带来些什么呢？在舞蹈开始的一幕中，伴随着大提琴的悠远演奏声，舞者立着脚尖碎步从舞台的左侧翩翩而出。她双臂的波浪形抖动通过呼吸的带动将天鹅的生命感由臂膀到指尖传达给观众。这别具匠心的动作在音乐的配合下，给观众留下极深的印象。此外，作品中间，钢琴的演奏也进一步把天鹅的高贵姿态体现出来。可以想象，一首世界名曲能与作品如此得契合，是编导福金独特构想的结果。 　　而《雀之灵》中，乐曲也是极为精简：一支笛子一把小提琴构成了音乐的主要来源。整体看来，舞蹈的音乐在一个主旋律的带领下不断地重复着，它如同一条宁静致远的河流，缓缓流淌。舞者在它的伴奏下轻轻地、静静地完成着与自然的对话，这是何等美妙的事情。孔雀的灵性和对幸福的向往都在舞者与音乐的共舞中挥洒而出。 　　对于舞蹈音乐的创作，不在于它如何地特立独行，更多地是其与舞蹈的一种共存、共融的状态。从一段主旋律中进行适当的扩展，这样“实而不华”的演绎才是舞蹈所期待的共舞伴侣。 　　舞台的简约化 　　有句广告词说得好“简约而不简单”，对于舞蹈艺术更是如此。由于舞蹈是动的艺术，身体自然而然地成为关注的焦点和突出的对象。那么，通过身体，该如何强调舞者及编导的思想呢？除了要加强舞蹈语汇的言说能力外，另一个重要因素便是对于舞台设计的简约化处理。在此，淡化是为了舞蹈本体的凸显，它们之间可以被看成一种此消彼长的关系。 　　在巴甫洛娃演绎的首版《天鹅之死》中，舞台的设计，精简到了极致。在偌大的舞台之上，醒目于观众视野的只有一只纯洁美丽的“天鹅”而已。而演绎到了后来的无数版本，在乌里扬娜?洛帕特金娜主演的完整版作品中，整部作品设计成了音乐会现场的形式，舞蹈伴随着交响乐队与些许布景呈现，但整体看来并没有喧宾夺主之嫌。这些舞美的加入其实都是由于人们审美水平的提高使然，但不能不说，这部作品依然散发着迷人的芬芳。对比《雀之灵》，会发现二者在舞台构成上的相似性。此作品的展现，同样只由舞者自身担当重任，没有繁杂堆砌的道具与布景，整个演出，只有一束如纯白无暇的月光般的光束存在。在观众眼中，这种美，是如此的纯粹。 　　除此之外，还有许多流传久远的作品，它们对于舞台处理得巧妙让人惊叹。试着想想，经典之所以为经典，是作品由内而外所散发出的“气质”。经过了几年甚至是上百年历史的积淀，留给观众最宝贵的文化内涵而非华丽的外表，这才是舞蹈作品所应追寻之处。 　　语汇的提炼性 　　用动作语汇表达思想，一直是舞蹈之所以是舞蹈的重要特征。生活中的语言，要想转化为形象化的动作来表现，就要求舞蹈语汇的精炼准确。那么，如何去提炼成了作品创作成功的关键。众所周知，艺术源于生活，又高于生活。一切的创作来源都应