浅谈关于作曲的一些小技巧..doc

浅谈关于作曲的一些小技巧 作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。 流行歌曲创作：1：先有词后有曲。2：先有曲后有词。这里我只谈第二种情况，即先曲后词。 一：倒影。 就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321 在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。 二：模进。 模进分严格模进和自由模进。 严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212 自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同） 三：重复。 重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进） 四：对格。 艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465 大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。 五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。 1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。 2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。 最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。 六：变音。 变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。 我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。七：关于调式的运用。 在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。 但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。男歌手一般最高音定在G上。(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。如果太高，降一度也够了。女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。吉他是第二弦空弦)。太高的话也降一度。 但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。第九品啊，我到第四品就要用假声了。呵呵。好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。 调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。一首歌前面如果是小调，后面改用大调。前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。可以让听众耳朵一亮。但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。 举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结